A insatisfação poética e autobiográfica de Jack Kerouac

Jack Kerouac

A sociedade americana pós 2ª guerra passava por um período de intenso conservadorismo, mascarado pelo sonho de uma nação democrata e altamente consumista, onde a repressão a pensamentos anti governistas era uma das formas que o Estado tinha para brecar o ímpeto da mudança entre os jovens. Mergulhados neste cenário de "caça as bruxas" em meados da década de 40, um grupo de jovens, por razões ideológicas e por força do destino - ou mero acaso, como queiram - encontram-se e iniciam a construção de uma profunda relação de amizade, que acabaria culminando o nascimento de um grupo de escritores e pensadores que buscavam uma nova maneira de entender e ver o mundo através da literatura, enquanto faziam experiências com drogas, jazz e zen-budismo. 

E no meio a esta efervescência anti o atual estado das coisas, emergia aquela que talvez seria a mente mais inquieta do bando, a figura de proa do movimento beat, Jack Kerouac. 

A vida transgressora e rebelde de Kerouac refletia-se em seu estilo literário, um turbilhão de idéias que eram jogadas freneticamente para cima do papel, renunciando aos modelos tradicionais em favor de um enfoque espontâneo de fluxo de consciência. Suas obras quase sempre eram inspiradas em relatos seus e de seus amigos beats, trasformando-se em poderosas metáforas autobiográficas a respeito do comportamento de insatisfação diante ao sonho do padrão de vida norte-americano e ao mesmo tempo revelando às angustias de uma juventude que via suas esperanças serem sufocadas pelo sistema.
Kerouac, era taxado por muitos, como boêmio hedonista, mas suas idéias de rebeldia e insatisfação existencial abriram caminho para uma nova maneira de pensar, formando os primeiros sinais do que viria a ser um dos maiores movimento culturais do século passado, a Contracultura.
Apesar de tudo ainda vemos os ideiais de reforma suspirarem ansiosamente perante a gigantesca máquina estatal, que parece cada vez mais faminta devorando as esperanças de um mundo melhor e mais harmônico, mas mesmo assim, reproduzir, formar e difundir pensamentos utópicos foi e sempre será um indicativo de instatisfação. Enquanto ainda existerem individuos, como Jack Kerouac, que exprimam suas angustias e esperanças estimulando a reflexão, o sonho nunca acabará.

Algumas de suas obras:

Cidade pequena cidade grande - 1950

 Sua primeira obra, escrita enquanto viajava pelos Estados Unidos, a obra conta a estória da família Martin que acaba de deixar sua cidadezinha natal e partir para a cidade grande Nova York, um caldeirão de culturas que atrai todos aqueles que buscam um futuro e uma identidade. Os Martin - sobretudo Peter - são dotados de uma energia e uma visão de vida especiais. Graças ao talento no futebol americano, Peter ganha uma bolsa para a universidade, o que o levará a dar um passo irreversível e o fará conhecer a grande metrópole americana, e eterna maçã, que guarda para todos o seu quinhão.

On the Road - 1957

O livro que se tornou o marco do movimento beat, onde Kerouc traduz de uma forma semiautobiográfica as experiências da geração beat numa jornada de costa a costa dos Estados Unidos, onde o único objetivo do bando era o prazer em meio à esterilidade do pós-guerra. A obra foi escrita em 3 semanas, de uma forma revolucionária onde o autor faz uso do fluxo de consciência, escrevendo de maneira frenética e contínua sem interrupções, pontos ou vírgulas.

Os subterrâneos - 1958

As obras de Kerouac são um mergulho aos acontecimentos de suas experiências existenciais. Os Subterrâneos é mais um de suas agruras de vida, contada ao estilo Kerouc, escrito durante três dias e três noites, um texto de um só folego com poucas pausas para novos parágrafos. Uma analogia a sua vida em Nova York nos anos 50 e a um caso de paixão com uma garota, rompido bruscamente por questões raciais e sociais.

Os vagabundos iluminados - 1958

Nesta obra Kerouac começa a flertar com a filosofia budista, a luta do desapego contra o estilo de vida consumista norte americano, onde a geração beat encontra-se mais otimista, mais tranquila e como diz o título da obra mais "iluminada".  O enredo é baseado na vida de um aspirante a escritor de São Francisco que anseia por um algo mais na vida, e que depara-se com um jovem zen-budista adepto ao montanhismo que vive com o mínimo de dinheiro possível, alheio a sociedade de consumo.

Maggie Cassidy - 1959

O diário de Kerouac continua, nesta obra, ele sintetiza relatos e crônicas de sua vida no período de adolescência quando morava em Massachusetts no período de 1938 a 1939.

Doctor Sax - 1959

Baseado em um sonho seu o qual ele se encontra em sua época de infância em Massachusetts. Alertado por este sonho ele relembra a história de sua infância em tons quentes de marrom e sépia. As fantasias pertencem a um castelo no topo de uma silenciosa colina verde que Jackie chama Snake Hill. Debaixo da nebliza cinza do castelo, dorme uma grande cobra. Vários vampiros, monstros, lobisomens, gnomos, e magos negros de todo o mundo reúnem-se para a mansão com a intenção de despertar a serpente para que ele levante e devore todo o mundo (embora uma pequena minoria deles, ironicamente chamado de "Dovists" acreditam que a cobra é apenas "uma casca de pombas", e quando ela despertar se abrirá, liberando milhares de pombas de renda branca. Este mito está presente também em uma história contada pelo personagem de Kerouac, Sal Paradise, em On the Road).

Viajante Solitário - 1960

 




Viajante solitário é Kerouac escrevendo sobre seu assunto preferido - as andanças mundo a fora em busca de paz e tranquilidade, sem destino, onde ele relta suas viajens feitas por trem, navios e auto estradas.

Big Sur - 1962

Em 1957, o escritor passou um período retirado em cabana do amigo Laurence Ferlinghetti, na região de Big Sur, na costa da California, onde se dedicou a escrita. E deste retiro, talvez tenha nascido o livro mais profundo e pessoal de Kerouac, onde ele trata dos problemas angustiantes do excesso de drogas e do alcoolismo que se apoderava dos jovens idealistas que permeavam o movimento beat. Um relato instigante sobre a decadência de um mito.

Os estados desconhecidos da consciência: por Henri Michaux

Henri Michaux

Procurar entender a formação subjetiva de pensamentos dentro de um mecanismo orgânico repleto de processos químicos é e sempre foi um mistério para a humanidade. Se conhecemos muito pouco sobre o cosmo e seus enigmas, é certo também que muito pouco se sabe a respeito dos segredos existentes dentro do universo mental, cruciais ao entendimento da situação humana.

Henri Michaux foi a fundo na compreensão cérebro/mente e ficou famoso por seus experimentos com a mescalina (substância alucinógena também usada por Aldous Huxley, conforme relato experimental descrito em seu livro "As Portas da Percepção"), para a exploração e a descoberta de estados mais profundos da consciência.

Sua extraordinária obra é composta por escrituras e poemas, mas seu grande destaque criativo é percebido  em seus trabalhos na esfera da pintura, onde Michaux faz uso de sua capacidade criativa para compor desenhos caligráficos de textos ilegíveis, os quais são relatos escritos de suas meditações referente a suas idas e vindas às profundezas da consciência através de seu estudo e experiência com energizadores psiquícos.

Esta idéia de busca por estados desconhecidos e aguçados da consciência formou o cerne do pensamento de Michaux, que eternizou suas extraordinárias experiências em uma obra instigante e de certa maneira incômoda para a história da arte contemporânea.  

Narrativa - 1927

 A proposta artística de Michaux transcende os patamares da linguagem formal, caminhando para um mundo mais livre das percepções, um universo subjetivo de pensamentos e caligrafias nervosas realizados num nível mais profundo da consciência, alcançado graças as suas experiências com mescalina.

  

O pensamento iconoclástico de Marcel Duchamp

"Eu me obriguei a me contradizer para evitar que eu me conformasse com meu gosto". Desapontado com o formalismo que tomava conta da vanguarda artística até então, Duchamp decide subverter as formas e conceitos tradicionais, reinventando-se e transformado drasticamente o universo das artes através da criação do conceito do ready mate. 

Com este pensamento Marcel Duchamp despreza noções, os estilos e a forma de manufatura dos objetos de arte, entendendo que qualquer artefato banal ou industrializado poderia ser transformado numa peça com sentido expressivo, focando não no artigo em si, mas sim na questão da produção da idéia, abrindo as portas para que a arte se tornasse um grande questionamento. 

Nu descendo a escada - 1912

Marcel Duchamp causava impacto antes mesmo de ingressar no conceito do ready mate, quando adotou o estilo cubista por algum tempo, se integrando ao grupo Puteaux (cubismo orfeônico), não demonstrando lealdade ao movimento, como aconteceu com sua obra "Nu descendo a escada", sofrendo polêmicas objeções de seus colegas, os quais pediram para que renomeasse a obra ou a retirasse da mostra. Ele então a retirou e decidiu não fazer mais parte do grupo.

A roda da bicicleta - 1913

O termo ready mate significa já pronto. Na visão de  Duchamp o objeto passa do plano funcional para o plano simbólico, obrigando o espectador a refletir sobre a real idéia formulado com aquela imagem tão trivial e comum, que cerca o cotidiano da existencia humana. "A roda de bicicleta" foi sua primeira obra iconoclástica (destruição de símbolos, ídolos, crenças e tradições).

A fonte - 1917

Porém, sua obra  ready mate mais famosa e polêmica foi "A fonte" (1917), um urinol de porcelana que escadalizou a crítica novaiorquina, ao ser enviada por Duchamp para figurar entre obras a serem julgadas nun concurso de arte, deixando o júri intrigado e perplexo, que rejeitou a escultura sem compreender o que estava acontecendo.















Um título tão excêntrico e desenquadrado do contexto quanto a obra em si, um intricado conjunto de cubos e um osso de choco (uma epécie de molusco marinho)e um termômetro, dentro uma gaiola para pássaros. Esta estranha dialética de perpectivas e sentidos múltiplos arromba portas, até então intocáveis, no horizonte da arte contemporânea, fazendo emergir novas formas de avaliação paralelamente ao belo, ao sublime e ao harmonioso.

Por que você não espirra Rose Selavy? -  1921

Rose Selavy - Pseudônimo de Marcel Duchamp

Duchamp desde a tenra juventude fora um apaixonado pelo simbolismo, e adorava trocadilhos visuais e verbais. E sua atitude de assumir a identidade de uma mulher, soaria mais drámatico e misterioso perante os olhos da crítica e da sociedade.
Rose Selavy transformou-se então em seu famoso psudônimo, dando-lhe a possibilidade de explorar, ainda que superficialmente, a experiência do lado feminino.








 

Etant Donnes - 1968

 Sua última obra só veio a conhecimento do público após sua morte em 1968. Repleta de simbolismos e metáforas, esta obra incita o observador a abandonar seu ponto de vista de receptor passivo, que tem que espreitar por dois orifícios colocados na altura do olhar, numa porta fechada e corroída pela passagem do tempo.

Visão geral e externa de Etant Donnes - 1968

Sem dúvida seu legado é imenso, por sua atitude de destruir crenças e conceitos até então pré estabelecidos, alargando o horizonte de entendimento das artes, influenciando os movimentos contemporâneos de novos artistas, e principalmente ao espectador, que fora incitado a ter sempre um olhar múltiplo sobre os acontecimentos e objetos que permeiam o seio da civilização humana. 

O chocante onirismo surreal de Alejandro Jodorowsky

Alejandro Jodorowski

 Náusea, ânsia, repugnância, nojo. Palavras que expressam os sentimentos oriundos da obra do chileno Alejandro Jodorowsky. Afastado dos típicos padrões do cinema hollywoodiano, seus filmes dificilmente serão assimilados, compreendidos e divulgados pela mídia tradicional. Com muita perspicácia, Jodorowsky é um dos raros talentos do cinema que escreve, dirige e atua em todos as suas películas.

A atmosfera de suas filmagens são repletas de cenas bizarras, violentas, carregadas de simbolismos filosóficos e sátiras às grandes mazelas que condicionam o ser humano e a civilização, com altas doses de subversão anti cristã e culto ao misticismo.

Palavras por si só não conseguem descrever seus filmes, no entanto, estejam desprovidos de moralismo e preconceitos para adentrarem nos abismos mentais do polêmico e impactante psicomago Jodorowski. Eis alguns de seus filmes mais marcantes:

Imagem do filme El Topo - 1970

 El topo

O filme conta a história de um violento bandido que vaga pelo deserto mexicano à procura da elevação espiritual. A sensação de sonho (bom ou mal) é instantânea, as cenas vão e vem e nem sempre o que aparece diante dos olhos agrada aos sentidos. Jodorowsky lança um um torpedo contra os sentidos do telespectador, provocando as mais estranhas emoções. Uma experiência impressionante.

Imagem do Filme El Topo - 1970

  

Montanha Sagrada - 1973

Montanha Sagrada (Holy Mountain)

O estilo sarcástico repugnante e de difícil digestão de Jodorowsky continua, só que agora com doses um pouco mais licérgicas. Montanha sagrada é um filme repleto de simbolismos místicos, com poucos diálogos, onde as cenas são construídas através de imagens e cenários oníricos e surreais. O filme representa o auge da confluência entre as idéias místicas de Jodorowski com o cinema.

Mais uma obra onde o psicomago chileno proporciona uma viagem além da experiência audiovisual, rumando para universos espirituais através de uma perturbante divagação do inconsciente.

Santa Sangre - 1989

 
 Santa Sangre

Descrever os filmes de Jodorowsky é uma tarefa um tanto difícil, pois a linguagem cinematográfica perturbadora necessita ser assistida, sentida, para tocar os sentidos em busca de profundas reflexões. Santa Sangre juntamente com Montanha Sagrada e El Topo, fazem parte da onírica trindade surreal de obras primas que Jodorowsky criou para intrigar as mentes dos espectadores. 

Woodstock - O espetáculo transcedental de Santana

O ano era 1969, mais precisamente entre os dias 15 a 17 de agosto, o verão norte americano, no interior do país, num anfiteatro montado em meio ao pasto da pacata propriedade rural do fazendeiro Max Yasgur, local onde acontecia um dos maiores fenômenos antropológicos de cunho cultural, onde, uma multidão incalculável de jovens que rejeitavam aos ideais impostos pelo conservadorismo social da época, principalmente contra o governo e sua política democrata pró guerras, agora contra o Vietnã, tudo isso embalado pela lisérgica onda sonora do final da década de 60. Três dias onde o amor e a paz formaram as trincheiras para combater a ganância, o ódio e a violência.

Woodstock - 1969

No olho deste ciclone contracultural estava ela, a música, o rock, que fervilhava, talvez, em seu momento mais criativo, sustentado pela transcendentalidade lisérgica que pairava sobre a atmosfera da contracultura dos anos 60. Performances arrasadoras alimentavam as emoções da plateia que presenciava o festival, que interagia e se comportava conforme a vibração que emanava do palco em direção as suas mentes e corpos. Nomes como Richie Havens, Sly and The Family Stone, Creedance Clearwater Revival, Joe Cocker, Crosby, Stills, Nash and Young, o lendário Jimi Hendrix, fizeram parte deste momento único da história da cultura moderna. Mas umas das grandes surpresas e talvez a apresentação mais incrível estava por conta de um grupo de músicos que tocava um vigoroso som que fundia ao rock, hipnóticas percussões de ritmos latinos e africanos, chamado Santana.

Santana - Festival de Woodstock (1969)

A química que Santana e sua trupe encontraram em Woodstock, beirou a um narcótico sonoro, algo transcendental, uma simbiose que sugou o público ali presente, e o arremessou para dentro da música, os tambores, as percussões tribais a incrível performance do jovem baterista Michael Shrieve, e é claro o solo de guitarra de Santana, faziam a apresentação lembrar mais um estonteante espetáculo espiritual de uma tribo intergalática do que um show de rock.

Depoimento de Santana sobre a apresentação, extraído do livro Woodstock de Pete Fornatale:

Santana: É sempre uma onda e um ponto alto recordar o som. me lembro do som antes de sair dos meus dedos, depois o ouvi saindo dos meus dedos para as cordas da guitarra. Da guitarra para o amplificador. Do amplificador para o PA. Do PA para todo um oceano de gente - uma montanha -, todo um oceano de gente e depois de volta para você. Impossível de esquecer. Foi lá que descobri meu primeiro mantra. À esta altura, muita gente sabe que eu estava chapado de mescalina, porque me disseram que eu só ia tocar às 2h ou algo parecido. Mentiram para a gente. Assim que tomei o lance e comecei a pirar, subimos, eram 14h. Foi essa a primeira vez que repeti meu primeiro mantra, que era, "Deus, por favor me ajude a ficar no tempo e no tom certos!" Fiquei repetindo esse mantra. 

E deu no que deu, Soul Sacrifice o ápice de Woodstock!

  

A solidão urbana retratada por Edward Hopper

Quem algum dia, em meio ao frenesi da multidão, nunca se deparou com a solidão perambulando pelas ruas da congestionada urbanidade humana.
A obra de Edwar Hopper evoca esse trivial acontecimento, tendo como cenário os ambientes urbanos e rurais dos estados Unidos no período entre guerras. Suas cenas abrigam atmosferas tristes, com amplos espaços vazios, invadidas pelos contrastes de luzes naturais e artificiais.
A grande capacidade do artista, reside no fato de estabelecer ligações entre os mundos subjetivo das emoções e o mundo racional da ciência, e isso Hopper faz com muito virtuosismo ao criar cenas cotidianas que se tornaram representações eternas da condição humana.

Apartamentos - 1923

A vida cotidiana retratada sempre sob uma atmosfera vazia, onde as pessoas parecem estar congeladas em suas próprias prisões pessoais. 

A casa perto da ferrovia - 1925

Alfred Hitchcock era um grande um admirador do isolamento contido nas obras de Hopper, e este quadro serviu de base para o cenário de um de seus maiores clássico, a casa desolada do filme Psicose.

O farol da colina - 1927

Mais um de seus incríveis cenários de desolação, onde Hopper usa e abusa da técnica de sombreamento, uma de suas características. 

 

Automat (A lanchonete) - 1927

A reflxão da mulher solitária e distraída dentro de um bar vazio, enfatizam o aspecto da alienação urbana, tão expressado por Hopper. 

Cho Suey - 1929

Como acontece em vários de seus trabalhos, essa pintura apresenta especial atenção ao efeito de luz presente sob seus sujeitos.

Mesa para mulheres - 1930

Várias de suas obras usam bares, restaurantes e lanchontes como cenário.

Quarto de hotel - 1931

Cinema em Nova York - 1939

O posto de gasolina - 1940

Falcões da noite - 1942

Uma de suas obras mais famosas, inspirou vários cenários e sensações visuais de filmes.

Manhã na cidade - 1944

Quartos para turistas - 1954

Aldous Huxley e a necessidade da evolução mental

Aldous Huxley

Uma das mentes mais brilhantes do século XX. Retratou de forma sombria, violenta e satírica os problemas da civilização humana, com romances distópicos, que remetem o leitor a um futuro caótico, desolador e sem esperança., demonstrando um profundo conhecimento sobre o condicionamento humano e assuntos relacionados a evolução mental.
 

As visões de Huxley, sobre um futuro lúgubre da raça humana, representam um mapa aterrador e perspicaz sobre a condição opressora, totalitarista e condicionante exercidas pelo sistema, e adornada pelas falsas máscaras de uma modernidade predadora. 

Em 1959 Huxley usa todo seu intelecto e estudo para proferir 15 conferências na Universidade da Califórnia postulando a necessidade do homem repensar seu paradigma de mundo e de ordens por ele estabelecidas. Estas conferências compõem sua obra denominada de "A Situação Humana". Os temas abordados por Huxley dialogam entre si, processando questões ligadas à filosofia, ciência, artes, religião, linguagem, história, psicologia, guerra e nacionalismo, traçando e contestando os segmentos das várias formas de expressão que a humanidade vem usando para relacionar-se entre si, com seu meio social e com a natureza, valorizando o papel do artista, o definindo na função de um construtor de pontes desta relação. Uma verdadeira odisseia a respeito das influências humanas no Planeta Terra.

Algumas de suas principais obras: 

Contra ponto - 1928

 

Em Contra ponto, um de seus primeiros romances, Huxley já destilava sua ácida crítica em relação aos costumes sociais da época, nesta época já era considerado sinônimo de ficção provocadora e idéias arrebatadoras.

Admirável Mundo Novo - 1932

Um dos livros mais importantes e influentes da história, a grande obra que definiria sua carreira. Huxley cria uma visão aterrorizante de um futuro onde a raça humana é concebida através de um incrível processo de ciência genética, em uma colossal linha de produção e condicionamento a fim de formar cidadãos "perfeitos" e "estáveis".

Sem Olhos em Gaza - 1936

Em "Sem Olhos em Gaza", Huxley continua a retratar de forma sombria e violenta as relações sociais, embora sugerisse alternativas viáveis por meio de sua conversão ao pacifismo.

Também o Cisne Morre - 1939

Nesta obra Huxley flerta com o desejo da vida eterna, onde um milionário americano dos anos 1930 tem medo de morrer e busca desesperadamente uma forma de viver para sempre. Uma sátira ácida e contundente sobre o desejo humano de viver para sempre.

O Macaco e a Essência - 1948

Outra obra distópica de Huxley. Escrito em formato de roteiro para o cinema, o livro traz em seu enredo a descrição de um mundo devastado por uma hecatombe nuclear, com exceção de uma ilha na Oceania, que permanece isolada dos efeitos nucleares e radioativos. Depois de um longo período de isolamento essa civilização resolve sair em busca de sobreviventes da catástrofe radioativa, e as novas redescobertas não serão nada agradáveis.Além do caráter apocalíptico o romance traça uma mordaz crítica aos dogmas de dominação religiosos. 

As portas da Percepção - 1954 / Céu e Inferno - 1956

Portas da percepção é um relato do escritor sobre as descrições de suas experiências com a mescalina, droga alucinógena que ele tomou para tentar compreender como a mente funciona. Nos anos 1960 esse livro se tornou leitura obrigatória para a emergente cultura hippie e psicodélica, principalmente pelo fato de Huxley ter tomado LSD no leito de morte.

A ilha - 1962

Em seu último romance Huxley se divorcia do distopismo e molda uma utópica sociedade onde seus membros vivem harmoniosamente entre si e com a natureza na Ilha de Pala. Escrito de forma sagaz e penetrante, uma profunda análise dos elementos que levam o ser humano ao encontro da plenitude da vida.     

Dualidade Sonora: The Man Who Sold The World - David Bowie X Nirvana

Novas versões de antigas canções. Foi isso que o Nirvana fez, quando resolveu fazer uma rendição ao vivo da clássica música de Bowie The Man Who Sold The World - que também da nome ao 3º álbum do camaleão do rock, produzido em 1970 - no MTV Umplugged em 1993, que aliás, foi um dos melhores Umpluggeds realizados até então, desde a montagem do cenário até a virtuosística interpretação da banda de Seatle.

Uma música e duas versões que marcaram a história do rock and roll.

 

A sonora melancolia pós punk do Joy Division

Uma das grandes virtudes humanas reside na forma e no ato da expressão, dar vida a sentimentos e idéias, e consequentemente transformá-las em arte. E a música é uma destas formas aonde o ser humano consegue construir suas as conexões entre as emoções sofridas ao sentido da existência.

O ano é 1976, onde o movimento punk já começa a mostrar sinais de desgaste, um período de transição e o nascimento de uma das bandas mais influentes e melancólicas do cenário do rock. Nasce o Joy Division. Influenciado pelo cenário punk da época, já sentindo os reflexos de uma era onde a música eletrônica começaria a ganhar força.

Joy Division

Embalado por esta fusão de sons e pela visão trágica e desesperadora do vocalista Ian Curtis, a banda começa a angariar uma legião de admiradores que se identificavam com este aspecto sombrio e lúgubre, que viria a fazer parte do contexto cultural dos anos 80.

Ao mesmo tempo que a banda ia fazendo sucesso os problemas de Curtis com a epilepsia passavam a ser constantes e os ataques chegavam a acontecer em cima do palco, durante as apresentações da banda. Aliado a isso, a vida conjugal do vocalista do Joy Division passava por um conturbado divórcio. Fatores que podem ter contribuído para seu suicídio. A única certeza é que a complexidade de uma vida, a atmosfera envolvida e o ambiente social turbulento que cercam a mente humana, fazem com que os indivíduos caminhem sob às margens de um abismo beirando as profundezas das perturbações, motivos e razões sempre vão permear os ditames de uma eventual morte desejada, mas nunca serão aptos à entendê-la ou julgá-la.

Control - 2007

Em 2007 foi lançado o filme Control, sobre a vida e morte de Ian Curtis.

 

Em 1980 após o suicídio de Curtis os ex integrantes do Joy Division, Bernard Sumner (vocais, guitarra e sintetizadores), Peter Hook (baixo e sintetizadores) e Stephen Morris (bateria, bateria eletrônica e sintetizadores), resolvem montar o New Order, com a adição de tecladista/guitarrista Gillian Gilbert.

A nova ordem parece soar como uma continuação do Joy Division, aprofundando os flertes com a sonoridade eletrônica.

Álbum do New Order: Movement - 1981

Crônicas anacrônicas atarantadas sistematicamente - Felicidade egoísta?

O processo industrial, o consumismo, a frenética luta por emprego, o descomedido crescimento populacional, a poluição, a falta de sorte, a neurose, são apenas alguns ingredientes que temperam este repugnante ensopado metódico de doutrinas e padrões pré estabelecidos, no qual encontra-se mergulhado a lastimável civilização humana.

Trabalho, labuta, profissão, mão de obra, estafamento, fadiga, sufocação, e assim admiramos a célere existência passar diante de nós. Enjaulados numa identidade profissional em busca do almejado capital sucumbimos perante os atos de imbecilidade da gananciosa exploração extrativista. 
Alguém poderá discorrer destas palavras, e apresentar diversos álibis à felicidade momentânea, como um relacionamento amoroso bem construído, filhos, amizades, boa comida e moradia, conforto, segurança, etc e tal, onde os meios para se alcançar as necessidades básicas são completamente engolidos pelos instintos de uma existência social condicionada.

Existirá alguma maneira de lutar contra este condicionamento enraizado no âmago do pensamento humano, sem ser um eterno infeliz, ou um feliz egoísta?
Talvez a felicidade de certa forma seja sim um sentimento egoísta, e ou também, ao mesmo tempo, um ato de solidão, pois só existe apenas um único lugar no universo o qual podemos ter certeza conseguir melhorar: o nosso próprio eu.

 

Por Leonardo Barden

A experimentalidade impactante e subversiva de Gustav Klimt

Gustav Klimt

As forças exercidas pela hipocrisia do conservadorismo sempre estiveram presente no âmago da sociedade, e com maior veemência ainda são sentidas no universo artístico e cultural, que o diga Gustav Klimt a mais de cem anos atrás.
As ideias inovadoras constantemente alvoroçam os ditames conservadores, e esta ameaça ao estado normal dos costumes reprimidos, foi a responsável pelos escândalos e polêmicas as quais eram submetidas as obras de Gustav Klimt.
Seu estilo experimental que fundia elementos contemporâneos a estilos clássicos desprezados na época, como arte japonesa, chinesa e egípcia, aliado a ênfase que dava à importância da sexualidade como fator determinante na vida, foram taxados como escandalosos e esdrúxulos para época, sendo até indiciado sob acusação de pornografia e perversão excessiva. Em certas ocasiões, suas obras eram exibidas através de uma cortina, a fim de evitar corromper a mente da juventude.
A experiência adquirida com o experimentalismo contribuiu para aquela que seria considerada sua fase dourada, onde o pintor absorve e incorpora em seu pensamento, influências dos afrescos bizantinos e dos mosaicos que ele vira nas igrejas de Ravena na Itália. Klimt se afasta do realismo e passa a deter-se no oculto e no espiritual.
Depois da morte de sua mãe a chamada era dourada da lugar aos melancólicos tons de cinza, que passam a preencher suas pinturas.


Um pequeno passeio por sua obra:

Amor - 1895

   Em suas primeiras pinturas ele já mostrava o tom experimental de suas pinceladas.

Judith - 1901

Pintura sobre o relato bíblico em que Judith cortou a cabeça de Holofernes. Ênfase nos tons dourados, uma característica de Klimt.

O friso de Beethoven - 1902

O friso de Beethoven foi uma obra pintada no prédio da Secessão de Viena, movimento dissidente liderado por Klimt durante o período de 1897 a 1905.

Esperança I - 1903

Ao pintar uma mulher nua e grávida Klimt sabia que ia contra os padrões da conservadora sociedade vienense. O interesse de Klimt pelas formas corporais femininas ia além da beleza estética e do teor erótico. Sabe-se que dois de seus filhos são oriundos do relacionamento com uma das modelos que pousavam para seus retratos. O interesse de Klimt por essas mulheres, residia estritamente no aspecto físico, nas formas corporais, razões que levam ao ostracismo de praticamente todas estas garotas, com exceção de Herma, a qual desapareceu subitamente, deixando o artista muito preocupado. Ao procurá-la, descobriu que estava grávida, não estando em condições de continuar seu trabalho de modelo. Mas Klimt, mesmo assim, esforçou-se em fazê-la regressar, nascendo o primeiro quadro Esperança.

O retrato de Adele Bloch-Bauer - 1907

Nesta obra Klimt usa todo seu talento para criar um complexo adorno de óleo e ouro sobre tela. A obra fora encomendada pelo rico industrial Ferdinand Bloch-Bauer, que apoiava as artes e promovia o trabalho de Klimt.

Esperança II - 1907

Quatro anos depois de Esperança I, Klimt retorna ao tema da gravidez, agora sob uma nova ótica. A mulher grávida aparece vestida debaixo de um traje decorativo que lembra seu mural conhecido como Friso Stoclet. As figuras da doença e da morte agora são menos ameaçadoras e as cabeças baixas dos personagens remetem a uma atmosfera de resignação.

Em sua última grande pintura mural Gustav Klimt experimenta uma mudança no estilo, surgindo as formas geométricas repetidas, deixando apenas algumas partes essenciais realistas. Aqui ele passa a usar a cobertura influenciada no estilo bizantino e nos mosaicos, criando um confronto entre a abstração e o realismo. Friso Stoclet foi pintada no palácio do magnata belga Adolphe Stoclet entre os anos de 1905 e 1909.

Friso Stoclet - 1905 a 1909

Cobras d'agua - 1904/1907

Mais uma obra da era dourada, onde Klimt flerta com retratos extremamente decorados e eróticos de mulheres. 

   

As cobras d'agua II (As amigas)  1904/1907

O beijo - 1908